Naturaleza muerta, Antepasados, Siglo XVI, Siglo XVII, Siglo XVIII, Del siglo XIX, Siglo XX

Una naturaleza muerta es una obra de arte que representa la mayoría inanimado objeto, objetos típicamente comunes que pueden ser naturales o artificiales. Con orígenes en la Edad Media y el arte griego/romano antiguo, bodegones dan al artista más libertad en la disposición de los elementos de diseño dentro de una composición que hacen pinturas de otro tipo de temas como el paisaje o retrato. Bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían el simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos representados. Algunos naturaleza muerta moderna rompe la barrera bidimensional y emplea técnicas mixtas tridimensionales, y utiliza objetos encontrados, la fotografía, la infografía, así como vídeo y sonido.

Antepasados

Bodegones a menudo adornan el interior de las antiguas tumbas egipcias. Se creía que los objetos de alimentos y otros artículos representados allí que, en el más allá, llegar a ser real y disponible para su uso por los difuntos. Pinturas jarrones griegos antiguos también demuestran gran habilidad en la representación de los objetos y los animales todos los días. Peiraikos es mencionada por Plinio el Viejo como pintor grupo de sujetos "bajos", como sobrevivir en las versiones de mosaico y provinciales pinturas murales de Pompeya: "'tiendas' barberos, zapateros puestos, asnos, eatables y temas similares". Bodegón similares, más simplemente decorativo en la intención, pero con perspectiva realista, también se han encontrado en las pinturas murales romanas y mosaicos de piso desenterrados en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo posteriormente familiar de un bol de vidrio de fruta. Mosaicos decorativos denominan "emblema", se encuentran en las casas de los ricos romanos, demuestran la variedad de comida que gozan las clases altas, y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida. En el siglo 16, la comida y las flores volvían a aparecer como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También a partir de la época romana es la tradición del uso del cráneo en la pintura como un símbolo de la mortalidad y los restos terrenales, a menudo con la frase de acompañamiento Omnia mors aequat. Estas imágenes vanitas han reinterpretado a través de los últimos 400 años de historia del arte, a partir de los pintores holandeses alrededor de 1600.

La apreciación popular del realismo de la pintura de bodegones se relaciona en la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrasio, que se dice que una vez que compitieron para crear los objetos más realistas, historys descripciones más tempranas de la pintura trompe-l'il. Como Plinio el Viejo registra en la época romana, artistas griegos siglos antes ya estaban avanzados en el arte de la pintura del retrato y la naturaleza muerta. Señaló a Peiraikos ", cuyo arte es superada sólo por unos pocos ... Pintó peluquerías y zapateros puestos, burros, verduras, y tal, y por eso llegó a ser llamado el pintor de temas vulgares, sin embargo, estas obras son del todo una delicia, y se vendían a precios más altos que el más grande de muchos otros artistas ".

Edad Media y Renacimiento

En 1300, a partir de Giotto y sus discípulos, todavía pintura de la vida fue revivido en forma de nichos de ficción en las pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. A través de la Edad Media y el Renacimiento, todavía la vida en el arte occidental seguía siendo sobre todo un complemento de temas religiosos cristianos, y convocó significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en el trabajo de artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico muy detallado y el simbolismo les llevó a una gran atención pródiga en el mensaje general de sus pinturas. Pintores como Jan van Eyck utilizan a menudo todavía elementos de la vida como parte de un programa iconográfico.

El desarrollo de la técnica de pintura al óleo de Jan van Eyck y otros artistas del norte de Europa permitió pintar objetos cotidianos de esta manera hiperrealista, debido a un secado lento, mezclar, y las cualidades de capas de colores al óleo. Entre los primeros en liberarse del significado religioso fueron Leonardo da Vinci, quien creó estudios de acuarela de fruta como parte de su examen de la naturaleza inquieta y Alberto Durero quien también hizo dibujos precisos de flora y fauna.

Petrus Christus retrato de una novia y el novio visitar un orfebre es un ejemplo típico de un bodegón de transición que representa tanto el contenido religioso y secular. Aunque en su mayoría alegórica en el mensaje, las figuras de la pareja son realistas y los objetos que se muestran están pintadas con precisión pero el orfebre es en realidad una representación de San Eligio y los objetos altamente simbólicos. Otro tipo similar de la pintura es el retrato de la familia que combina figuras con una mesa bien puesta de los alimentos, que simboliza tanto la piedad de los seres humanos y sus dioses gracias por la abundancia. Alrededor de este tiempo, las representaciones de naturaleza muerta simples divorciados de las figuras comenzaban a pintar en el exterior de las persianas de pinturas devocionales privados. Otro paso hacia el bodegón autónomo fue la pintura de flores simbólicas en floreros en la parte posterior de retratos seculares alrededor de 1475. Jacopo de Barbari dio un paso más con su Naturaleza muerta con perdiz, Hierro Guantes y Flechas Ballesta, entre los bodegones firmado y fechado trompe-l'il primeros, que contiene un mínimo de contenido religioso.

Siglo XVI

El siglo 16 fue testigo de una explosión de interés en el mundo natural y la creación de encyclopdias botánicos lujosos registran los descubrimientos del Nuevo Mundo y Asia. También provocó el comienzo de la ilustración científica y la clasificación de las muestras. Los objetos naturales comenzaron a ser apreciado como uno de los objetos de estudio, aparte de las asociaciones religiosas o mitológicas. La ciencia a principios de los remedios a base de hierbas comenzó en este momento, así que fue una extensión práctica de este nuevo conocimiento. Además, los clientes ricos comenzaron a financiar la recolección de especímenes animales y minerales, creando amplios "gabinetes de curiosidades". Estos ejemplares sirvieron de modelo para los pintores que buscaban realismo y novedad. Conchas, insectos, frutas exóticas y flores comenzaron a ser recogidos y comercializados, y las nuevas plantas como el tulipán, se celebraban en los bodegones. La explosión de la horticultura era de gran interés difusión en Europa y artista capitalizado en que para producir miles de bodegones. Algunas regiones y cortes tenían intereses particulares. La representación de los cítricos, por ejemplo, era una pasión particular de la corte de los Medici en Florencia, Italia. Este gran difusión de ejemplares naturales y el interés creciente en la ilustración natural en toda Europa, dio lugar a la creación casi simultánea de bodegones modernos alrededor del año 1600.

En la segunda mitad del siglo 16, el bodegón autónomo evolucionado. Poco a poco, el contenido religioso disminuyó en tamaño y ubicación de estas pinturas, aunque las lecciones morales continuaron como sub-contextos. Un ejemplo es "The Butcher Shop" de Joachim Beuckelaer, con su representación realista de carnes crudas dominando el primer plano, mientras que un fondo de escena transmite los peligros de la embriaguez y la lujuria. Annibale Carracci tratamiento del mismo tema en 1583, también llamada Carnicería comienza a eliminar los mensajes morales, al igual que otros "cocina de mercado" y bodegones de este período.

Galería del siglo XVI

  • Jacopo de 'Barbari, Naturaleza muerta con perdiz y guanteletes, Alte Pinakothek, Munich

  • Albrecht Dürer, búho,, Acuarela y bodycolour, Albertina, Viena. Durero realizó detallados estudios de la naturaleza, incluyendo pinturas de animales y plantas.

  • Maarten van Heemskerck, Familia de Pieter Jan Foppesz, antes de c.1532, considerado el primer retrato de familia, en el retrato holandés.

  • Annibale Carracci, el Beaneater, 1580-1590, Galleria Colonna, Roma

  • Annibale Carracci, Carnicería, Christ Church Picture Gallery, Oxford

  • Joachim Beuckelaer, Escena de la cocina, con Jesús en la casa de Marta y María, en el fondo, 1566.

Siglo XVII

Aunque bodegón italiano fue ganando en popularidad, permaneció históricamente menos respetada que la "manera imponente" pintura de temas históricos, religiosos y míticos. Académicos destacados de principios del siglo 17, como Andrea Sacchi, sentía ese género y el bodegón no llevó a la "seriedad" merecían para pintar para ser considerado grande. Por otro lado, los artistas todavía vida italiana de éxito encontrar un amplio patrocinio en su día. Por otra parte, las pintoras, pocos como eran, generalmente eligieron o se limitaron a pintar naturaleza muerta; Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, Maria Theresa Van Thielen, y Fede Galizia son ejemplos notables.

Muchos artistas italianos más importantes de otros géneros, también produjeron algunos bodegones. En particular, Caravaggio aplicó su forma de influencia del naturalismo de la naturaleza muerta. Su cesta de la fruta es uno de los primeros ejemplos de la vida sigue siendo pura, precisamente prestados y puesta a nivel de los ojos. Aunque no abiertamente simbólica, esta pintura era propiedad del cardenal Federico Borromeo y pudo haber sido apreciada tanto por razones religiosas y estéticas. Jan Bruegel pintó su Ramo grande Milán por el cardenal, también, alegando que él pintó 'fatta tutti del natturel' y cobran extra por el esfuerzo extra. Estos fueron algunos de muchos bodegones de la colección cardenales, además de su gran colección de objetos curiosos. Entre otros Italian naturaleza muerta, Bernardo Strozzi El cocinero es una "escena de la cocina" a la manera holandesa, que es a la vez un retrato detallado de un cocinero y las aves de caza que está preparando. De manera similar, una de Rembrandts raras bodegones, Niña con pavos reales muertos combina un retrato femenino simpático similar con imágenes de aves de caza.

Galería italiana

  • Fede Galizia, manzanas en un plato,

  • Caravaggio, cesta de fruta,, óleo sobre lienzo, Pinacoteca Ambrosiana, Milán, Italia

  • Giovanna Garzoni, Naturaleza muerta con plato de cidras, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles, California

Holandés, flamenco, alemán, portugués y bodegones españoles

Aún así la vida se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo 16, y el término se deriva de Inglés stilleven: la vida sigue, que es un calco, mientras que las lenguas romances tienden a usar términos que significan la naturaleza muerta. Pintura holandesa del siglo 15 había desarrollado técnicas altamente ilusionistas de la pintura del panel y manuscritos iluminados, donde las fronteras a menudo aparece elaborados despliegues de flores, insectos y, en una obra como las horas de Catalina de Cleves, una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito ilustrado fue desplazado por el libro impreso, las mismas habilidades más tarde fueron desplegados en la ilustración científica botánica, los Países Bajos, dirigido por Europa, tanto en la botánica y su representación en el arte. Joris Hoefnagel hizo acuarela y gouache pinturas de flores y otros motivos de naturaleza muerta para el emperador Rodolfo II, y había muchas ilustraciones grabadas de los libros, como por ejemplo Florilegio de Hans Collaert, publicado por Plantin en 1600.

En el arte español, un bodegn es una pintura aún representan artículos de la despensa de vida, tales como víveres, juego, y la bebida, a menudo dispuestos en una simple losa de piedra, así como un cuadro con una o más cifras, pero aún importantes elementos de la vida, normalmente ubicado en una cocina o taberna. A partir de la época barroca, estas pinturas se hizo popular en España en el segundo cuarto del siglo 17. La tradición de la pintura de bodegones parece haber comenzado y era mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos, hoy Bélgica y los Países Bajos, de lo que era en el sur de Europa. Naturalezas muertas del norte tenían muchos sub-género de, la pieza desayuno fue aumentada por el trompe-l'il, el ramo de flores, y las vanitas. En España hay muchos menos clientes para este tipo de cosas, sino un tipo de pieza desayuno se hizo popular, con unos pocos objetos de comida y vajilla relajado en una mesa.

Hubo también un tipo de cocina muy grande o escena de mercado desarrollado por Pieter van Aelst y su sobrino Joachim Beuckelaer. En medio de una gran cantidad de alimentos y utensilios de cocina todavía la vida, bajo la supervisión de flamencos cocina-criadas fornidos, una pequeña escena religiosa a menudo se puede hacer en la distancia, o un tema como el Four Seasons eleva el tema. Esta especie de gran escala todavía la vida siguió desarrollando en la pintura flamenca después de la separación del Norte y del Sur, pero es poco frecuente en la pintura holandesa, aunque otros trabajos en esta tradición anticipar el tipo de "sociedad feliz" de la pintura de género.

Alrededor de 1.600 pinturas de la flor en los aceites se convirtieron en una especie de locura, Karel van Mander pintó algunas obras por su cuenta, y los registros que otros artistas manieristas del norte como Cornelis van Haarlem también lo hicieron. No hay sobrevivientes flor piezas realizadas por ellos son conocidos, pero muchos sobreviven por los mejores especialistas, Jan Brueghel el Viejo y Ambrosius Bosschaert, quienes permanecieron en el flamenco al sur de los Países Bajos.

Mientras que los artistas del norte encontraron una oportunidad limitada para producir la iconografía religiosa que había sido durante mucho tiempo sus grapas imágenes de temas religiosos fueron prohibidos en el holandés protestante reformada Iglesia-la continua tradición del Norte de realismo detallado y símbolos ocultos un llamamiento a la clase media holandesa crecimiento , que fueron sustituyendo la Iglesia y el Estado como los principales mecenas del arte en los Países Bajos. A esto se sumó la manía holandesa para la horticultura, particularmente el tulipán. Estos dos puntos de vista de las flores-como objetos estéticos y como símbolos religiosos-se unieron para crear un mercado muy fuerte para este tipo de naturaleza muerta. Naturaleza muerta, al igual que las obras de arte más holandés, se venden generalmente en los mercados abiertos o por los distribuidores o por los artistas en sus estudios, y rara vez se encargó, por lo tanto, los artistas suelen eligieron el tema y el arreglo. Tan popular era este tipo de bodegón, que gran parte de la técnica de la pintura de flores holandesa fue codificada en el tratado de 1740 Groot Schilderboeck por Gerard de Lairesse, que daba consejos de gran alcance en el color, la organización, la pincelada, la preparación de las muestras, la armonía , composición, perspectiva, etc

El simbolismo de las flores ha evolucionado desde los primeros días cristianas. Las flores más comunes y sus significados simbólicos son: rosa, lirio, tulipán, girasol, violeta, columbine, amapola. En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y la resurrección, mientras que la libélula simboliza la fugacidad y el duro trabajo de hormigas y la atención a la cosecha.

Artistas holandeses también diversificó y revivió la antigua tradición griega de la naturaleza muerta trompe-l'il, especialmente la imitación de la naturaleza o de la mimesis, que ellos llamaron bedriegertje. Además de estos tipos de la naturaleza muerta, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron separadamente pinturas "cocina y el mercado", desayuno y mesa de comida todavía vida, pinturas de vanitas y pinturas alegóricas de recogida.

Especialmente popular en este período fueron las pinturas de vanitas, en el que los arreglos suntuosos de frutas y flores, libros, estatuillas, jarrones, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, militares, de plata fina y cristal, fueron acompañadas de recordatorios simbólicos de la vida de impermanencia. Además, un cráneo, un reloj de reloj de arena o en el bolsillo, una vela encendida hacia abajo o un libro con las páginas que dan vuelta, serviría como un mensaje moralizante sobre la fugacidad de los placeres sensoriales. A menudo, algunas de las frutas y las flores ellos mismos se mostraría a partir de Tal herencia para enfatizar el mismo punto.

Otro tipo de la naturaleza muerta, conocida como "pinturas desayuno", representan a la vez una presentación literal de delicias que la clase alta podría disfrutar y un recordatorio religioso para evitar la glotonería. En otra innovación holandesa, alrededor de 1650 Samuel van Hoogstraten pintó uno de los primeros cuadros en la pared de rack, trompe-l'il bodegones que cuentan con objetos vinculados, tachuelas o unidos de alguna otra manera a un tablero de la pared, un tipo de todavía vida muy popular en los Estados Unidos en el siglo 19. Otra variante era los objetos bodegón representado trompe-l'il asociados con una profesión determinada, como ocurre con los Norbertus Gysbrechts Cornelis pintura "Pintores Base con el pedazo de la fruta", que muestra todas las herramientas de un oficio pintores . También es muy popular en la primera mitad del siglo 17 fue la pintura de una gran variedad de especímenes en forma alegórica, como los "cinco sentidos", "cuatro continentes", o "las cuatro estaciones", que muestra a una diosa o figura alegórica rodeada por los objetos naturales y artificiales apropiadas. La popularidad de los cuadros de vanitas y estas otras formas de la naturaleza muerta, pronto se extendió desde Holanda a Flandes y Alemania, y también para España y Francia.

German bodegón seguido de cerca los modelos holandeses. Pintor alemán Georg Flegel fue un pionero en la vida todavía puro sin figuras y creó la innovación compositiva de colocar los objetos detallados en gabinetes, armarios y vitrinas, y producir simultáneamente múltiples puntos de vista. Todavía pintura de la vida en España, también llamados bodegones, era austero. Se diferenciaba del holandés todavía vida, que a menudo contiene los banquetes ricos rodeados de elementos ornamentales y de lujo de tela o vidrio. El juego en la pintura española es a menudo animales muertos llano todavía en espera de ser pelado. Las frutas y verduras son sin cocer. Los fondos son bloques geométricos de madera sombríos o simplemente, a menudo creando un aire surrealista. Incluso mientras tanto holandeses y españoles todavía la vida a menudo tenía un propósito moral incrustado, la austeridad, que algunos encuentran parecido a la desolación de algunas de las mesetas españolas, que parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud, y el lujo de los bodegones holandeses. En la católica Italia y España, la pintura vanitas pura era raro, y había muchos menos aún especialistas en vida. En el sur de Europa hay más empleo del naturalismo de Caravaggio suave y menos énfasis en el hiperrealismo, en comparación con los estilos del norte de Europa. En Francia, los pintores de naturalezas muertas fueron influenciados tanto por las escuelas del Norte y del Sur, el endeudamiento de las pinturas de vanitas de los Países Bajos y los arreglos de reserva de España.

Galería holandés, flamenco, alemán y francés

  • Ambrosius Bosschaert, Still-Life of Flowers, el cobre, el Getty Museum

  • Jacques de Gheyn II, Jarrón de flores con una cortina,, Museo de Arte Kimball, Fort Worth, Texas

  • Balthasar van der Ast,, cesta de frutas, la Galería Nacional de Arte de Washington, DC.

  • Georg Flegel, Ramita del melocotón, c. 1630

  • Hans Gillisz. Bollongier, pedazo de flor,, Frans Hals Museum, Haarlem, Países Bajos. La flor superior siempre fue el más caro y en este ramo es el tulipán Semper Augusto

  • Roelant Savery, Naturaleza muerta, con 44 especies diferentes de animales y 63 especies de flores.

  • Willem Heda Claeszoon, Naturaleza muerta con Pie, Silver Ewer y cangrejo, Frans Hals Museum, Haarlem

  • Abraham van Beyeren, salones Naturaleza muerta, Los Ángeles County Museum of Art.

  • Enero Davidsz. de Heem, Naturaleza muerta con frutas, flores, vasos y langosta, Musas Royaux des Beaux-Arts, Bruselas

  • Maria van Oosterwijk, florero de los tulipanes, rosas y otras flores con insectos,

  • Ene Jansz Treck Naturaleza muerta con Wanli porcelana, estaño jarra, vaso, aceitunas y servilleta 1645, Museo de Bellas Artes

  • Lubin Baugin, Le Dessert de gaufrettes, Museo de Louvre, París

Siglo XVIII

En el siglo 18, en muchos casos, las connotaciones religiosas y alegóricas de bodegones fueron retirados y las pinturas de mesa de cocina evolucionaron hasta convertirse en representaciones calculados de variados colores y formas, que muestra los alimentos diarios. La aristocracia francesa empleó artistas para ejecutar pinturas de temas de naturaleza muerta generosas y extravagantes que adornaban su mesa de comedor, también sin el mensaje moralista vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó del artificio llevó a un aumento de la apreciación en Francia trompe-l'il pintura. Jean-Baptiste Chardins bodegones emplean una variedad de técnicas del realismo de estilo holandés a armonías suaves.

La mayor parte de Anne trabajo Vallayer-Costers se dedicó a la lengua de naturaleza muerta, ya que se había desarrollado en el curso de los siglos XVII y XVIII. Durante estos siglos, el género de la naturaleza muerta se colocó bajo en la escala jerárquica. Vallayer-Coster tenía una manera acerca de sus pinturas que dio lugar a su atractivo. Fueron los "audaces líneas decorativas de sus composiciones, la riqueza de sus colores y texturas simuladas, y las hazañas de ilusionismo que logró en la representación de gran variedad de objetos, tanto natural como artificial", que atrajo la atención de la Real Acad mie y los numerosos coleccionistas que han comprado sus pinturas. Esta interacción entre el arte y la naturaleza era muy común en los bodegones holandeses, flamencos y franceses. Su trabajo revela la clara influencia de Jean-Baptiste Chardin-Simon, así como maestros holandeses del siglo 17, cuyo trabajo ha sido mucho más alto valor, pero lo que hizo Vallayer-Costers estilo se destacan contra el otro bodegón pintores era su manera única de coalescencia ilusionismo representación de estructuras compositivas decorativos.

El final del siglo XVIII y la caída de la monarquía francesa cerraron las puertas el Vallayer-Costers todavía era la vida y las abrieron a su nuevo estilo de flores. Se ha argumentado que este fue el punto culminante de su carrera y lo que es más conocido por. Sin embargo, también se ha argumentado que las pinturas de flores fueron inútiles para su carrera. Sin embargo, esta colección contiene estudios florales en óleo, acuarela y gouache.

  • Rachel Ruysch, Naturaleza muerta con ramo de flores y Ciruelas, 1704, Museos Reales de Bellas Artes de Bruselas

  • Rachel Ruysch Naturaleza muerta con flores sobre una mesa de mármol, 1716

  • Jean-Baptiste-Simon Chardin, El Rayo 1728, Museo de Louvre, París

  • Jean-Baptiste-Simon Chardin, Naturaleza muerta con botella de vidrio y la fruta, c. 1750

  • Anne Vallayer-Coster, Los atributos de pintura, c. 1769

  • Anne Vallayer-Coster, Naturaleza muerta con una botella redonda, c. 1770

Del siglo XIX

Con el auge de las academias europeas, especialmente el franaise Acadmie que tuvo un papel central en el arte académico, naturaleza muerta comenzó a caer en desgracia. Las Academias enseña la doctrina de la "jerarquía de los géneros", que sostuvo que el mérito artístico de una pintura se basó principalmente en el tema. En el sistema académico, la forma más alta de la pintura consiste en imágenes de gran importancia histórica, bíblica o mitológica, con sujetos estáticos relegados al orden más bajo de reconocimiento artístico. En lugar de utilizar todavía la vida para glorificar a la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot, eligieron paisajes de servir a ese fin.

Cuando neoclasicismo comenzó a entrar en declive por la década de 1830, el género y la pintura del retrato se convirtió en el foco para el realista y revoluciones artísticas románticas. Muchos de los grandes artistas de la época incluido todavía la vida en su cuerpo de trabajo. Los bodegones de Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix transmiten una fuerte corriente emocional y están menos preocupados con exactitud y más interesados en el estado de ánimo. Aunque modelada sobre los sujetos estáticos anteriores de Chardin, Édouard Manet bodegones son fuertemente tonal y claramente dirigido hacia el impresionismo. Henri Fantin-Latour, usando una técnica más tradicional, era famoso por sus pinturas de flores exquisitas y se ganaba la vida pintando casi exclusivamente de naturaleza muerta para los coleccionistas.

Sin embargo, no fue hasta la caída definitiva de la jerarquía académica en Europa, y el aumento de los pintores impresionistas y post-impresionistas, que la técnica y la armonía del color triunfó sobre la materia, y que sigue la vida fue una vez más ávidamente practicado por artistas. En sus primeros años de vida todavía, Claude Monet muestra la influencia de Fantin-Latour, pero es uno de los primeros en romper la tradición del fondo oscuro, que Pierre-Auguste Renoir también descarta en Naturaleza muerta con ramo y ventilador, con su color naranja brillante fondo. Con impresionista naturaleza muerta, el contenido alegórico y mitológico está completamente ausente, ya que es un trabajo meticuloso detallada cepillo. Impresionistas lugar se centraron en la experimentación en pleno, secándose las pinceladas, los valores tonales, y la colocación del color. Los impresionistas y post-impresionistas fueron inspiradas por colores naturalezas pero reinterpretado la naturaleza con sus propias armonías de color, que a veces resultaron sorprendentemente unnaturalistic. Como se dijo Gauguin, "Los colores tienen su propio significado." Las variaciones en la perspectiva también son juzgados, como el uso de cultivo apretado y ángulos altos, como con Fruta exhibida en un hacer una pausa Gustave Caillebotte, una pintura que fue burlado en su momento como una "exhibición de la fruta en una vista de pájaro. "

Pinturas "Girasoles" de Vincent van Gogh son algunos de los mejores del siglo 19 conocido bodegones. Van Gogh usa mayormente tonos de amarillo y representación bastante plana para hacer una contribución memorable que sigue la historia de vida. Su naturaleza muerta con tablero de dibujo es un autorretrato en forma todavía la vida, con Van Gogh representando muchos elementos de su vida personal, incluyendo su pipa, la comida sencilla, un libro de inspiración, y una carta de su hermano, todo dispuesto en su mesa, sin que su imagen actual. También pintó su propia versión de una vanitas pintura Naturaleza muerta con Biblia abierta, vela y libro.

En los Estados Unidos durante la época revolucionaria, los artistas estadounidenses formados en el extranjero aplicaron estilos europeos de la pintura del retrato americano y la naturaleza muerta. Charles Willson Peale fundó una familia de destacados pintores americanos, y como gran líder en la comunidad de arte americano, también fundó una sociedad para la formación de artistas, así como un famoso museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Peale fue uno de un grupo de artistas de naturaleza muerta americanos tempranos, que también incluyeron John F. Francis, Charles Bird King y John Johnston. En la segunda mitad del siglo 19, Martin Johnson Heade introdujo la versión americana del hábitat o biotopo imagen, que coloca las flores y los pájaros en ambientes al aire libre simuladas. Las pinturas trompe-l'il estadounidenses también florecieron durante este período, creado por John Haberle, William Michael Harnett y John Frederick Peto. Peto se especializó en la pintura de pared-rack nostálgica mientras Harnett logró el mayor nivel de hiperrealismo en sus celebraciones pictóricas de la vida americana a través de objetos familiares.

Galería del siglo XIX

  • Francisco Goya, Naturaleza muerta con frutas, botellas, panes, 1824-1826

  • Eugène Delacroix, Naturaleza muerta con langosta y los trofeos de caza y pesca, 1826-1827, Louvre

  • Gustave Caillebotte,, rosas amarillas en un florero, 1882, Museo de Arte de Dallas

  • Henri Fantin-Latour,, rosas blancas, crisantemos en un florero, melocotones y uvas en una mesa con un mantel blanco, 1867

  • Paul Cézanne, El reloj de mármol Negro, Colección privada

  • Mary Cassatt, Lilas en una ventana, 1880

  • Claude Monet, Naturaleza muerta con manzanas y uvas, Art Institute of Chicago

  • Paul Gauguin Naturaleza muerta con manzanas, una pera y un jarro de cerámica Retrato, 1889, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts

  • William Harnett, Still violín vida y la música, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Siglo XX

Las primeras cuatro décadas del siglo 20 formaron un periodo excepcional de efervescencia artística y revolución. Movimientos de vanguardia evolucionaron rápidamente y se superponen en una marcha hacia el no figurativo, la abstracción total. La vida sigue, así como otro arte figurativo, continuaron evolucionando y ajuste hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, como se ejemplifica por las pinturas de goteo de Jackson Pollock, elimina todo el contenido reconocible.

El siglo comenzó con varias tendencias que se espera en el arte. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo Van Gogh, que había muerto hace once años. El grupo conocido como Les Nabis, incluyendo Pierre Bonnard y Edouard Vuillard, tomó Gauguins teorías armónicas y elementos añadidos inspirados en grabados japoneses a sus bodegones. Artista francés Odilon Redon también pintó notable todavía en vida durante este período, especialmente las flores.

Henri Matisse redujo la representación de objetos de la vida todavía aún más a poco más que audaces contornos planos llenos de colores brillantes. También simplifyied perspectiva y la introducción de fondos de varios colores. En algunos de sus bodegones, como Naturaleza muerta con berenjenas, su mesa de objetos está casi perdido en medio de los otros patrones de colores que llenan el resto de la habitación. Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y Derain, André explorarse más color puro y la abstracción en su vida todavía.

Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para sus exploraciones revolucionarios en la organización espacial geométrica. Para Cézanne, naturaleza muerta era el medio principal para tomar la pintura fuera de una función ilustrativa o mimético a una demostración de forma independiente los elementos de color, la forma, y la línea, un paso importante hacia el arte abstracto. Además, los experimentos de Czanne se pueden ver como conduce directamente al desarrollo de la naturaleza muerta cubista en el siglo 20.

Czannes Adaptación cambiantes de planos y ejes, los cubistas sometieron la paleta de colores de los fauvistas y se centró en cambio en la deconstrucción de objetos en formas geométricas puras y aviones. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de naturaleza muerta, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como la creación de los primeros sintéticos collages cubistas, como el óvalo de Picasso "Naturaleza muerta con silla de paja" . En estas obras, todavía objetos de la vida se superponen y entremezclan apenas mantener las formas bidimensionales identificables, la pérdida de textura de la superficie individual, y que enlazará con los objetivos de fondo, logrando casi opuestos a los de naturaleza muerta tradicional. Fernand LGERS bodegón introdujo el uso de abundante espacio en blanco y de color, bien definidos, la superposición de formas geométricas para producir un efecto más mecánico. Rechazando el aplanamiento del espacio por cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada, se fueron en una dirección radicalmente diferente, la creación de "ready-made" aún esculturas vida 3-D. Como parte de la restauración de un significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron reconocibles todavía objetos de la vida en sus paisajes oníricos. En Joan MIRS naturalezas muertas, los objetos aparecen sin peso y flotan en la ligera sugerido espacio de dos dimensiones, e incluso las montañas se dibujan como líneas simples. En Italia, durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de la vida aún más importante, la exploración de una amplia variedad de enfoques que representa botellas diarias e implementos de cocina. Artista holandés MC Escher, conocido por sus gráficos detallados todavía ambigua, creó Bodegón y la calle, la versión actualizada de la mesa tradicional holandesa naturaleza muerta. En Inglaterra Eliot Hodgkin estaba usando tempera por sus muy detalladas bodegones.

Cuando los artistas estadounidenses del siglo 20 se dieron cuenta del modernismo europeo, comenzaron a interpretar temas de la vida aún con una combinación de realismo americano y abstracción cubista derivados. Típico de las obras de naturaleza muerta estadounidenses de esta época son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. OKeeffes pinturas de flores ultra-primer revelan tanto la estructura física y el subtexto emocional de pétalos y hojas en una forma sin precedentes.

En México, a partir de la década de 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia marca de surrealismo, con alimentos nativos y motivos culturales en sus bodegones.

A partir de la década de 1930, el expresionismo abstracto redujo severamente todavía vida a representaciones primas de forma y color, hasta que en la década de 1950, la abstracción total dominó el mundo del arte. Sin embargo, el arte pop en los años 1960 y 1970 invirtió la tendencia y creó una nueva forma de la naturaleza muerta. Gran parte del arte pop se basa en la naturaleza muerta, pero su verdadero tema es más a menudo la imagen mercantilizada del producto comercial representado más que el propio objeto bodegón físico. Roy Lichtensteins Still Life with Goldfish Bowl combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. Wayne Thiebauds Tabla Almuerzo representa ni un solo almuerzo familys pero una cadena de montaje de los alimentos estandarizados estadounidenses.

El movimiento neo-dada, incluyendo Jasper Johns, volvió a Duchamp representación tridimensional de los objetos de uso cotidiano para crear su propia marca de todavía la vida laboral, como en Johns Pintado Bronce y Fools House. Avigdor Arikha, que comenzó como un pintor abstracto, integra las lecciones de Piet Mondrian en sus naturalezas muertas como en su otro trabajo, mientras vuelve a las viejas tradiciones maestros, logró un formalismo modernista, trabajando en una sesión y la luz natural, a través del cual la objeto surgió a menudo en una perspectiva sorprendente.

Una importante contribución al desarrollo de la naturaleza muerta en el siglo 20 fue hecha por artistas rusos, entre ellos Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antípova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia Afonina, Maya Kopitseva y otros.

Por el contrario, el aumento de fotorrealismo en la década de 1970 se reafirmó la representación ilusionista, al tiempo que conserva algo del mensaje de la fusión de objeto, la imagen y el producto comercial de pop. Típico en este sentido son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.

Galería del siglo XX

  • Henri Matisse, platos y frutas, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia

  • Odilon Redon, Flores, 1903

  • Georges Braque, Violín y candelabro, el Museo de Arte Moderno de San Francisco

  • Juan Gris, Nature morte, 1913 - Museo Thyssen Bornemisza

  • Marsden Hartley, bebidas guapos, c. 1916, el Museo de Brooklyn

  • Fernand Lger, Naturaleza muerta con una taza de cerveza de 1921, Tate

Siglo 21

En las tres últimas décadas del siglo 20, y en los primeros años del siglo 21 todavía la vida se ha expandido más allá de los límites de un marco. Sobre todo a raíz de la era del ordenador, y el surgimiento de arte digital y arte digital de la naturaleza y la definición de la naturaleza muerta ha cambiado. Algunas técnicas mixtas todavía la vida laboral que emplea objetos encontrados, fotografía, video y sonido, e incluso derrame del techo al suelo, y llenar de un cuarto entero en una galería. Gráficos generados por ordenador han expandido las técnicas disponibles para artistas aún la vida. Con el uso de la cámara de vídeo, aún artistas vida incluso pueden incorporar al espectador en su trabajo.